THE DARK SIDE OF THE MOON / PINK FLOYD

Quizás estamos presentes ante el álbum conceptual más exitoso de todos los tiempos, es que "The Dark Side Of The Moon" fue y será la obra cumbre del grupo británico Pink Floyd.  Tras varios años navegando entre la psicodélia y las suites experimentales, la banda decidió que ya era hora de tomar las riendas del rock progresivo y hacer un disco centrado únicamente en la locura, los conflictos del hombre moderno y la crisis de la humanidad, obteniendo así un extraordinario viaje de 44 minutos en donde el oyente logra vivir distintas sensaciones gracias a una producción musical de alta gama. Lanzado el primer día de Marzo de 1973, este álbum llegó en el momento exacto en que la psicodelía pasaba al olvido y le abría el paso a la naciente música electrónica que terminaría dominando gran parte de la década de los setentas. Además, este trabajo musical quedaría para la eternidad como un punto de inflexión dentro de la carrera musical de este cuarteto londinense. 

“Pensamos que podríamos hacer algo que girara en torno a las presiones que personalmente sentíamos que te llevan al límite… la presión de ganar dinero; la cuestión del tiempo, el tiempo que pasa volando; estructuras de poder organizado como la Iglesia o los políticos; violencia, agresión” declaraba por esos días el bajista Roger Waters, en quien recayó la responsabilidad de ser el cerebro creativo en casi todo este disco. De hecho, en 1971 y tras la publicación de "Meddle", un inspiradísimo Waters se puso de cabeza a escribir las letras para las nuevas canciones, y junto a la banda las fueron probando en algunos conciertos  y en parte de las sesiones de grabación del "Obscured by Clouds".  Posteriormente, la banda empezaría a trabajar en los últimos detalles del disco en los estudios Abbey Road, en Londres. En estas sesiones, que empezaron en Junio de 1972 y terminaron en Enero de 1973, la banda utilizó los mejores equipos y mesas de sonidos que existían en esos días. Además, con la ayuda del productor Alan Parsons, los muchachos hicieron de las suyas utilizando grabadoras con multipistas, bucles de cinta (loops), sintetizadores analógicos y una serie de originales y llamativos efectos de sonidos. Además, Waters tuvo la idea de grabar las voces de distintos personajes que pasaban por el estudio de grabación, Para ello les hacía una filosófica encuesta en donde tenían que responder lo primero que se les viniera a la mente. Este experimento resultó bastante interesante, y tuvo como protagonistas al portero del estudio, un par de road managers y colegas músicos. Incluso Roger logró dar con Paul y Linda McCartney, quienes se mostraron bastante motivados en participar en este experimento pero sus respuestas no fueron tan originales como para aparecer en este disco.

"The Dark Side Of The Moon" se encuentra como uno de los discos más vendidos en la historia de la música y su legado sonoro es de vital influencia para varios músicos en el mundo. Logró llegar al primer puesto del Billboard y estuvo dentro de ese Top 100 por mas de 950 semanas. Se estima que ha llegado a vender mas de 45 millones de copias en todo el planeta, quedando así como el disco mas conocido de Pink Floyd. Gracias a esto, la banda logró el reconocimiento internacional que tanto habían buscado durante largos años y con las ganancias del álbum por fin pudieron comprar mansiones, autos de colección e incluso financiar películas.

Lamentablemente, así como les trajo fama y fortuna, este álbum también marcaría el comienzo de una lucha creativa en la interna de la banda, la que llegaría a plagar de altas tensiones su trabajo en los estudios de grabación y que hicieron que años después decidieran separarse. "Dark Side Of The Moon fue nuestra última colaboración voluntaria", diría Waters. "Después de eso, todo lo que hacíamos en la banda nos dejaba con los dientes apretados; Por diez años nos aferramos a un matrinomio que pensabamos perfecto, pero que en realidad no teníamos el coraje de pedir el divorcio, de dejarnos ir. Fueron diez años de un infierno sangriento. Todo fue tan terrible. Horrible. Terrible ". 

"Speak to Me" 

El disco inicia con este breve instrumental, obra del baterista Nick Mason, donde un  bombo que simula los latidos de un corazón se mezcla con la maniática risa del road manager Peter Watts, una caja registradora, sintetizadores y un grito desesperado de la cantante Clare Torry.  Mason la describía como una "color sound montage" y decidió bautizarla con una frase que usaba frecuentemente el productor Alan Parsons a la hora de probar los micrófonos.

"Breathe" 

No nos damos ni cuenta cuando aparece en escena "Breathe", una canción con aires bluseros y una letra donde se nos llama a disfrutar la vida, salir de la rutina, darle un espacio a la libertad y estar siempre con la frente en alto ante todas esas fuerzas exteriores que intentan controlar nuestros pasos. "La primera frase parece marcar el primer aliento de vida: "Respira, respira el aire ..." Creo que, en general, al igual que Roger, todos pensábamos que nuestras letras eran demasiado indirectas" diría Gilmour a Rolling Stone. “Definitivamente había una sensación de que las palabras tenían que ser claras y específicas. Eso sería un gran paso. Las cosas significarían lo que tenían que significar. Ese fue el sello distintivo de este trabajo, y era algo que no habíamos hecho antes ".

Los orígenes de esta canción datan del año 1970, cuando Roger Waters estaba trabajando junto al multi-instrumentista Ron Geesin en la música para documental llamado "The Body".

"On the Run"

Para ese tiempo Pink Floyd ya era una banda de grandes conciertos, y pasaban gran parte de los meses en carreteras o en aviones, ya que viajaban por casi todo el mundo presentando sus obras. Esta pieza instrumental está inspirada en esos viajes, ya sea por aire o por tierra, los cuáles tenán algo agotado a los integrantes de la banda. Específicamente esta obra apunta al miedo y a la ansiedad que vivían cada vez que se subían a un avión. "Esta canción trata sobre el miedo a volar, algo que todos desarrollamos en algún momento", dijo Waters en el año 2003.  Pero el tecladista Richard Wright tenía una opinión algo diferente, declarando: "Estábamos agotados de tantos trámites y de la rutina de viajar. Para mí, eso es lo que expresa esa canción en lugar del miedo a estrellarse en un avión ".

En este instrumental el protagonista es el sintetizador EMS, el cuál está acompañado de diversos efectos de sonidos que van desde el típico sonido de una sala de embarque de un aeropuerto hasta el estallido de un avión. Para muchos fanáticos y estudiosos de la banda, esta canción merece ser considerada como una de las primeras piezas de la música electrónica, aunque para ello tenemos que abrir una extensa página para el debate y las birras. Y que mejor que tomar unas cebadas mientras vemos un partido de los Chicago Bulls, quienes utilizan esta canción en el United Center para las presentaciones de los jugadores rivales.

"Time"

Hoy resulta bastante fácil incluir un efecto sonoro en alguna canción que tengamos en carpeta, es cosa de hacer un click y empezar a configurar cada detalle desde un estudio casero. Pero en 1973 todo efecto de sonido era equivalente a un trabajo casi quirúrgico en el estudio de grabación, debido a que se grababa por cintas. Por ejemplo, para poder lograr capturar los ruidos de reloj con que inicia "Time", el productor Alan Parsons tuvo que ir directamente a una casa de antigüedades y grabar cada reloj por separado. Tras eso, Parsons corrió al estudio para mezclar cada una de las cintas y, ayudado por la banda, logró obtener el efecto perfecto para iniciar esta canción. Tras eso, vino otra dura tarea, la cuál consistía en grabar el solo de rototoms. Es que debido a que en el estudio no habían suficientes tambores, Mason y Parsons tuvieron que afinar cada tom-tom de la batería hasta lograr dar con los sonidos correctos.

La letra de esta canción trata sobre el paso del tiempo: el tiempo pasa, pero muchas personas no se dan cuenta hasta que es demasiado tarde. Según Waters, la idea de esta canción surgió cuando se dió cuenta que estaba por cumplir 29 años, y su vida seguía siempre la misma rutina."De repente me puse a pensar que ya iba para los 29 y todo seguía igual" le declaraba Waters a la revista Mojo. “Desde un principio todo parece  ir por el lado correcto pero de repente todo se detiene y vuelve a comenzar la vida. Eso es todo, tan sólo es estar aquí y ahora. Tienes que hacer tu mejor esfuerzo".

"The Great Gig in the Sky" 

Esta canción, escrita por Richard Wright, trata sobre el proceso natural de la vida y la muerte. En entrevista con la revista Mojo, Wright explicaba que parte de la inspiración se debía al miedo hacia una repentina la muerte: "Para mí, una de las presiones que tenía estando en la banda era ese miedo constante a morir debido a todos los viajes que hacíamos en aviones y carreteras entre Estados Unidos y Europa".

Para esta pieza musical, la banda tenía pensado utilizar una voz femenina. Para ello intentaron contactar a Madeleine Bell y a Doris Troy, pero no lograron convencerlas para el proyecto. Finalmente fue Parsons quien les presentó a una cantante londinense llamada Clare Torry, quien terminaría grabando la parte no léxica de la canción. Así lo explicaría el productor en el año 2003 en entrevista con la Rolling Stone: "Le tuvieron que decir que no cantara ninguna palabra. Comenzó haciendo unos 'Oh, yeah baby' y todo ese tipo de cosas, por lo que se le pidió que hiciera otra cosa. Porque en realidad no había una dirección real, solo tenía que sentirla".  Sobre lo mismo, Gilmour recordaba en 1998: "Habíamos pensado en varias cantantes de renombre, pero quedamos impactados al ver en el estudio a esta mujer blanca de aspecto débil. Pero cuando empezó a cantar todo cambió, y bueno, pese a que le costó captar lo que realmente queríamos, logró dar con ese sonido orgásmico que tanto conocemos y amamos". Mientras tanto, el autor de la canción, el señor Wright,  nunca ocultó su satisfacción por el resultado final de su composición: "Cuando la escribí, nunca pensé: "Esto sólo será sobre la muerte", porque no creo que hubiera escrito esa estructura de acordes pensando en ello. Me emociono mucho cuando escucho cantar a Clare. Para mí, esta canción no es necesariamente sobre la muerte. En ella escucho terror, miedo y una gran emoción, especialmente la parte intermedia,donde la voz se mezcla perfectamente con la banda. La forma en que se mezcló también ayudó bastante".

En el año 2004, los pinkfloydmaniacos casi se caen de espalda cuando se enteraron que Torry había demandado a la banda y al sello EMI en busca de regalías en cuanto a su contribución en la composición de esta canción. La cantante reclamaba sus royalties puesto que consideraba que su interpretación fue fruto de su improvisación,y por lo tanto ella debería figurar en los créditos del tema como compositora y así recibir su correspondiente compensación por los más de 35 millones de discos vendidos. Finalmente en el año 2005, la cantante logró ganar el juicio y se llevó una camionada de dinero para su casa.

"Money" 

En esta canción Waters nos hace reflexionar, de una manera irónica, sobre el poder del dinero, enfocándolo en el consumismo, la corrupción y su influencia en una sociedad perdida en medio de las garras del capitalismo. Otro detalle interesante que trae esta canción es su composición musical, ya que la canción empieza con un inusual tiempo de 7/8 y cuando llega a la parte del solo de guitarra cambia a 4/4, para luego pasar nuevamente en 7/8 y terminar con 4/4. Consultado sobre esta llamativa línea compositiva, Gilmour declarara en Guitar World: "Fue por el riff de Roger. Él llegó con gran parte de los versos y con casi toda la letra hecha. Nosotros solo creamos las secciones intermedias, los solos de guitarra y todo eso. También dimos con un nuevo riff, y para ello creamos una progresión en 4/4 sólo para esa parte, e hicimos que el pobre saxofonista tocara en 7/4. Fue mi idea hacer esos cambios, ya que la sentía algo seca y vacía, en especial la parte del segundo solo". Además, el guitarrista aseguraba que parte de esta canción estaba inspirada en las composiciones de la banda estadounidense Booker T. & the M.G.', en especial por el disco "Green Onions" del año 1962. "Yo era un gran fanático de Booker T.", revelaría Gilmour. “Tuve el álbum  'Green Onions' cuando era adolescente. ... Yo pensé que sería bien interesante poder incorporar parte de ese sonido a nuestras canciones, sin que nadie descubriera de donde provenía tal influencia. Y para mí funcionó bastante bien".
Como la banda estaba inspirada a la hora de experimentar con nuevos sonidos y estilos musicales, decidieron invitar para esta ocasión al saxofonista Dick Parry, quien ya era conocido de David Gilmour: “Ya había tocado junto a él. Le gustaba el jazz. A veces tocaba en dos o tres grupos musicales a la vez. Recuerdo que una vez mi antigua banda de Cambridge fue invitada a tocar un domingo por la noche, y ahí nos encontramos con Dick, que era un músico habitual en ese salón de baile. Esa noche hicimos algo de jazz" .

Debido a una serie de disputas legales con su compañía discográfica, len el año 1981 la banda (sin Waters) decidió re-grabar la canción para así poder incluírla en el compilatorio "A Collection Of Great Dance Songs" .  Las diferencias entre esta versión y la original son muy sútiles y realmente cuesta percatarse de algun nuevo detalle o cambio melódico.

"Us and Them" 

Esta canción nace de una suite para piano que Rick Wright había escrito en 1970 para que formara parte de la banda sonora de la película "Zabriskie Point". Pero el director del film, Michelangelo Antonioni, terminó rechazando esta pieza instrumental por considerarla "hermosa, pero demasiado triste ".  Asi fue cómo el tecladista, junto a Roger Waters, dieron vida a esta hermosa balada cuya letra reflexiona en una dicotomía constante sobre las inservibles guerras, la soledad y el individualismo a causa de la globalización.  Consultado sobre las composiciones de Wright, Waters declaró en 2005 que: "Muchas veces escribía fragmentos extraños. Los escondía y los ponía en esos álbumes solistas que hizo y que casi nadie escuchó. Nunca los compartía. Fue increíblemente estúpido. Nunca entendí por qué hacía eso. Estoy seguro de que habrían dos o tres secuencias de acordes decentes. Si me las hubiera dado, habría estado muy, muy feliz de hacer algo con ellas ". 

En la canción, la voz de Wright está acompañada tanto por el resto de la banda como por un grupo de coristas, el cuál estaba compuesto por Doris Troy, Leslie Duncan, Liza Strike y Barry St. John. "Todas nuestras voces están perfectamente equilibradas, un buen ejemplo es "Us and Them", declaraba Gilmour. "No sé cuántas veces hicimos esos juegos de voces, pero las chicas se lucen. Suena realmente genial e inspirador, que si le mueves algún elemento o una fracción, todo se desmorona".

"Any Colour You Like" 

Una pieza marcada por el amplio y efectivo uso de teclados, sintetizadores y guitarras, donde además la banda se da el lujo de ironizar sobre el concepto de libertad, inspiradose en una llamativa frase de uno de los técnicos en sonido que acompañaba a la banda. Ese técnico se llamaba Chris Adamson, quien, cada vez que algún integrante le pedía una guitarra, respondía "depende que color les guste, todas son azules". Según Waters, este tipo de respuestas era muy típico entre los comerciantes callejeros que habían en Cambridge: "En Cambridge, que es donde viví por mucho tiempo, la gente venía de Londres en una camioneta, un camión, abría la parte de atrás y se paraba en la parte trasera del camión, el cuál estaba lleno de cosas que ponían en venta. De una manera particular y elegante, ellos vendían, entre otras cosas, vajillas, porcelana, juegos de cuchillos y tenedores. Todo tipo de cosas, y lo vendían muy barato, y cuando preguntabas ellos te contestaban 'son diez platos, señora, y es esto, aquello y lo otro, y trae ocho tazas y platillos, y por todo el lote no pido diez libras, ni cinco libras , ni tres libras ..." Y de esa manera se lograban deshacer de esas cosas. Si tenían juegos de porcelana, y todos del mismo color, te decian:" Puedes 'tenerlos' , son diez "bob" para ti, amor. Cualquier color que quieras, todos son azules'. Y en base a ese patrón se nos ocurrió esta canción. Entonces, metafóricamente, 'Any Colour You Like' es interesante, en ese sentido, porque denota ofrecer una opción donde en realidad no hay ninguna. Y también es interesante la frase 'Any colour you like, they're all blue,' I don't know why, but in my mind it's always 'they're all blue', porque, si lo piensas bien, tiene relación con la luz y la oscuridad, el sol y la luna, el bien y el mal. Pero tú eliges, pero siempre será azul".

"Brain Damage"  

Una canción que lidia con la locura, dando la sensación de estar viajando por la mente de un colocado Syd Barrett.  De hecho, la frase "and if the band you're in starts playing different tunes" hace referencia a aquellos "episodios" en donde Barrett se subía al escenario y tocaba cualquier canción, sin seguir el orden ensayado, siendo esto uno de los tantos motivos por el cuál decidieron expulsarlo de la banda. Pero, en la canción, la locura no es tomada como un problema, sino que el autor,  Waters, termina incluso simpatizando con ella, e incluso llega al extremo de declararse un loco mas dentro de este mundo que cree ser perfecto.

"Eclipse" 

No hay dudas, esta canción es el final perfecto para un disco perfecto. La historia cuenta que tras terminar las grabaciones la banda quedó un poco disconforme con el final, ya que sentían que era bastante flojo. Asi que Waters se puso manos a la obra y en cuestión de horas ya tenía su ansiado acto final. En ella se repiten algunas frases de "Breathe" y culmina con un mensaje claro y certero: "Realmente no existe el lado oscuro de la Luna. De hecho, todo es oscuro".
Consultado sobre el proceso de grabación de esta canción, en 2011 Gilmour declaró: "Recuerdo haber trabajado duro para terminarla y agregar armonías que se se fueron uniondo a medida que avanzaba la canción. Porque primero no había nada, no había coro, no había compáses, no había una idea. Entonces por cada cuatro versos hacíamos algo diferente".
En cuanto a la letra, la canción nos habla de forma general sobre la muerte. Pero también nos hace reflexionar sobre como influye la locura y la oscuridad mental en nuestro pasar por el mundo. Esta pieza finaliza con los mismos latidos que se escuchan al inicio del álbum, dejandonos en claro que su destino era y es circular.